Les logos sont bien plus que de simples images. Ils sont des éléments cruciaux de la communication visuelle, jouant un rôle central dans l’identité de marque, la reconnaissance, et la crédibilité. Regardons plus en détail pourquoi les logos sont si essentiels pour les entreprises et les organisations. 

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L’identité de marque en un symbole 

Un logo est bien plus qu’un simple dessin. Il incarne l’âme d’une entreprise ou d’une organisation, exprimant sa mission, ses valeurs et son histoire de manière concise et puissante. Il crée une personnalité distinctive, différenciant la marque de ses concurrents. En un coup d’œil, un logo peut évoquer des sentiments, des expériences et des associations qui sont au cœur de l’entreprise. Il est le premier point de contact visuel entre une entreprise et son public, établissant une première impression qui peut durer longtemps.

La reconnaissance instantanée 

Les logos sont créés pour rester en mémoire. Ils permettent au public de les identifier rapidement, qu’il s’agisse d’un produit, d’un magasin ou d’un site Web. Une conception bien pensée permet de communiquer rapidement des informations importantes. Un logo bien conçu doit être distinctif et unique pour se différencier des autres. Il doit être immédiatement lié à la marque et avoir une impression durable sur le public.

 La crédibilité renforcée 

Un logo professionnel donne à l’entreprise plus de crédibilité. Il démontre que l’entreprise est sérieuse, soucieuse de son image et engagée dans une démarche de qualité. À l’inverse, un logo amateur ou l’absence de logo peut démontrer que l’entreprise n’est pas professionnelle ou pas encore très développée. Un logo bien conçu est un moyen important de gagner la confiance du public. Il peut renforcer la crédibilité de l’entreprise et lui donner une image de fiabilité, ce qui est particulièrement important dans un monde concurrentiel où la confiance du public est un atout important.

Les codes des logos 

Il existe 9 types différents de logo : les pictogrammes, les abstraits, les mascottes, les mots-symboles, les monogrammes, les lettres, les combinaisons, les emblèmes et enfin les dynamiques, qui peuvent évoluer légèrement selon les supports. Un logo peut très bien être une combinaison de plusieurs types. Et chaque famille a ses avantages et ses inconvénients en termes d’utilisation et de mémorisation. 

L’utilisation d’un logo ne se fait pas de manière libre, elle est codifiée. Par exemple, il est possible d’interdire l’utilisation de son logo sur certain type de couleur, ou de définir une version monochrome selon les utilisations ou encore d’imposer une marge autour du logo… Tous ces éléments doivent être regroupés dans une charte graphique afin de permettre aux différents collaborateurs ou partenaires d’être en mesure d’utiliser correctement le logo en toute circonstance.  

Il est également possible d’avoir un logo de base avec une baseline ou le nom de l’entreprise par exemple, mais d’avoir une version simplifiée avec uniquement un symbole ou un dessin. Cela permet de garder une qualité d’image si le logo doit être utilisé sur de petits supports ou juste d’avoir une utilisation plus épurée. 

Dans ce contexte, une école renommée telle que l’EFET STUDIO CRÉA offre une formation de qualité en design graphique et en communication visuelle, permettant aux étudiants de développer les compétences nécessaires pour créer des logos impactants et professionnels tout en comprenant l’importance de ces éléments dans le monde de la communication visuelle. 

En cette rentrée 2023, l’EFET STUDIO CRÉA et l’EFET Photographie, toutes deux membres du Réseau GES, sont fières d’accueillir une nouvelle directrice commune pour les deux écoles, en la personne de Bérengère Dastarac. 

Un parcours riche et varié 

 Bérengère Dastarac incarne l’exigence dans les domaines de la création, de l’enseignement, et de l’entrepreneuriat.   

En effet, son parcours ne se limite pas à l’enseignement. Pendant plus de dix ans, elle a exercé en tant que directrice artistique au sein de plusieurs agences de publicité en Égypte. Cette expérience lui a permis d’acquérir une expertise précieuse dans le domaine de la créativité visuelle. Elle a marqué le monde de la publicité en tant que Directrice de Création chez JWT, et chez McCann au Caire, où elle a géré des équipes créatives pour des clients de renommée internationale.   

Ses talents artistiques se sont également exprimés à travers des expositions et installations dans des galeries d’art du Caire, démontrant sa polyvalence créative. 

Elle s’est ensuite installée en France pour entreprendre un projet innovant dans la diffusion de films rares en partenariat avec l’accélérateur de start-ups EKITO, remportant ainsi le prix de l’Innovation BIZNEXT en 2016. Ses talents de productrice se sont illustrés à travers des films tel que « Winter of Discontent, » qui ont été salués dans des festivals internationaux. 

Elle a été également à l’origine de la création de la plateforme de SVOD « NOWAVE, » une initiative engagée dans la diffusion du cinéma indépendant, témoignant de son engagement envers l’industrie cinématographique. 

Son influence s’étend également dans le domaine du design. Elle a co-fondé le studio de design global Lune Bleue à Toulouse en 2018 avec 28 associés issus des milieux du design, de la recherche et de l’innovation.   

L’éducation comme engagement 

 En 2017, elle a pris les rênes de l’école de création E-artsup Toulouse en tant que Directrice Régionale, après y avoir enseigné. Sous sa direction, les étudiants se sont épanouis dans divers domaines des arts appliqués, allant de la Direction Artistique à la Communication à 360, en passant par le Motion Design, l’Animation 2D/3D, et le Jeu Vidéo.  

En parallèle, Bérengère a enseigné en tant que Chargée de Cours en Dynamique Entrepreneuriale au sein du Master de Design Transdisciplinaire Cultures et Territoires de l’Université Toulouse Jean-Jaurès, et en animant des conférences sur l’entrepreneuriat culturel dans diverses institutions, dont la Toulouse Business School, l’IAE et l’École de Journalisme de Toulouse. 

Avec sa nomination en tant que directrice de l’EFET STUDIO CRÉA et de l’EFET Photographie, Bérengère Dastarac apportera son expertise diversifiée à la formation des étudiants dans ces deux écoles renommées. 

Avec des compétences linguistiques variées, une maîtrise des outils de création, et une compréhension approfondie du design et de la production audiovisuelle, Bérengère Dastarac est une véritable source d’inspiration pour ceux qui cherchent à atteindre l’excellence dans les industries culturelles et créatives. Son parcours professionnel illustre la puissance de la créativité, de l’innovation, et de l’engagement envers l’éducation pour forger un avenir meilleur à ses étudiants. 

Avec son arrivée à leur tête, l’EFET STUDIO CRÉA et l’EFET Photographie continueront de proposer des formations de qualité et prépareront les étudiants à des carrières florissantes dans le monde du design et de la photographie, tout en restant à la pointe des évolutions technologiques et professionnelles 

L’EFET STUDIO CRÉA a organisé la semaine du 25 au 29 septembre un workshop en collaboration avec la marque Veepee, pour ses étudiants en 2e année de Design Graphique & Numérique. Le professeur en charge de cette semaine était Mathieu Merson, product designer chez Veepee depuis 2 ans.  

© Google

La marque Veepee 

Veepee, anciennement connu comme Vente-privée, est une entreprise française de commerce en ligne. 

En 2001, ce site de ventes évènementielles est créé par Jacques-Antoine Granjon et ses 7 associés. Le but était de vendre une sélection d’articles de grandes marques à des prix très avantageux. Grâce à son service de très bonne qualité, Vente-privée connaît un grand succès et devient une marque de grande renommée en à peu près 15 ans.  

A ses débuts, le site proposait principalement du prêt-à–porter, puis s’est petit à petit élargi pour proposer des services de différents domaines : high-tech, accessoires de mode, billetterie ou encore voyage. 

Le workshop 

Pour Mathieu Merson, l’objectif de cette semaine de travail est de découvrir la réalité d’un projet d’envergure :« Ce workshop est en partenariat avec la business unit Voyage de chez Veepee, il a pour but de faire travailler les étudiants sur un cas concret mêlant expérience utilisateur, design graphique et intelligence artificielle. » 

Pour les étudiants, c’était l’occasion d’expérimenter et d’approfondir leurs connaissances sur différents aspects : « Pendant le workshop, on a réalisé une variante de Veepee Voyage avec une expérience utilisateur beaucoup plus accessible en utilisant une IA. Durant ce workshop, j’ai approfondi mes connaissances, notamment avec l’application Figma grâce aux prototypes et aux variantes qu’on pouvait faire sur cette application. J’ai apprécié ce workshop, car cela nous apporte une expérience beaucoup plus concrète dans le métier. » explique Dorian Bertrand. 

Pour d’autres, c’est le côté travail de groupe qui a été formateur : « J’ai beaucoup apprécié ce workshop, j’ai beaucoup aimé travailler en équipe et mettre nos idées en commun pour former une réponse à notre problématique qui soit réelle » confie Anelyne Cirak. 

 Emi Girard ajoute : « On a appris à coordonner nos idées en groupe, à travailler pour une entreprise plutôt que pour un projet d’école. On a appris à répondre à une problématique posée par la marque. ». 

Des étudiants du campus de l’EFET STUCIO CRÉA Lyon ont également participé à ce workshop. 

Les gagnants  

Mattieu Merson est très fier des groupes qui ont remporté cette semaine challengeante :  

« En première place nous retrouvons le groupe Custom Made (Jeanne Gautreau, Nayoun Kim, Caroline Tang et Anna Vandelli), récompensé pour son parcours complet, avec plusieurs idées intéressantes (comme l’achat en groupe) et dont la faisabilité réaliste a été prise en compte. Ils ont compris le besoin et sont allés jusqu’au détail du prix barré dans leur présentation.

Cependant, le jury a décerné une mention spéciale pour le groupe LLA (LaysaKezzim, Adeline Duragrin et Lory Mazmanian). Ce projet, avec un état des lieux solide en introduction, a été soutenu d’une manière affirmée, proposant un parcours intéressant sur un support « avant-gardiste » et une nouvelle manière de naviguer et de se projeter plus immersive, avec un contenu enrichi grâce à la plongée dans la découverte de lieux en vue 360°. ». 

Cette collaboration avec la marque Veepee a été très apprécié par les étudiants qui ont fourni des travaux remarquables. L’EFET STUDIO CRÉA met en avant ce type d’apprentissage plus concret afin que les étudiants mettent en pratique les notions théoriques acquises en cours. Se former au sein de notre école, c’est acquérir une bonne expertise avant même de rentrer dans le marché du travail. 

Charlotte Perriand, née en 1903 à Paris et décédée en 1999, est une architecte et designeuse française. Née d’une mère couturière et d’un père tailleur, celle-ci développe ainsi très jeune son esprit créatif.  

©Jean-Pierre Dalbéra

Une ascension créative fulgurante 

Charlotte Perriand intègre l’École de l’union centrale des Arts décoratifs de Paris de 1920 à 1925. Suite à cette formation, elle peut exercer en tant qu’architecte et designeuse, elle va donc décider d’ouvrir sa propre société de design d’intérieur. Elle dirigera son entreprise pendant 10 ans.  

À l’âge de 24 ans, Perriand se fait connaître en exposant son Bar sous le toit au salon d’Automne de Paris. Elle y présentait une banquette en acier chromé, confectionnée spécialement pour son appartement-atelier, rue Saint-Sulpice à Paris. 

Cette exposition ainsi que sa passion pour le mobilier intérieur, l’amènent à travailler avec les grands noms de l’architecture de l’époque comme Le Corbustier et Pierre Janner et de 1920 à 1930. Cette collaboration sera à l’origine de la création de pièces emblématiques comme la chaise longue B306 ou encore le fauteuil Grand Confort.  

En 1929, elle fonde l’Union des Artistes Modernes (l’UAM) aux côtés de René Herbst, Pierre Chareau, Robert Mallet Stevens ou encore Eileen Gray. L’objectif de ce mouvement était de promouvoir l’art moderne, de mettre en avant la fonctionnalité, la simplicité et l’efficacité dans l’art et le design. Ainsi, Charlotte Perriand entreprend de réelles recherches sur l’habitat minimum, préoccupation majeure des architectes et designer de l’entre-deux-guerres. 

Un art inspiré par son environnement 

Dans les années 1940, c’est à l’autre bout du monde, au Japon, qu’elle développe ses compétences de designer. Elle est nommée conseillère en art industriel au Japon. Ses créations seront ainsi fortement influencées par l’esthétique nippone. Elle travaillera avec des matériaux typiquement asiatiques comme le bois, la paille ou encore le bambou. En mars 1941, elle présente l’exposition « Contribution à l’équipement intérieur de l’habitation au Japon ». 

Elle part de Tokyo pour rentrer en France en 1946. Cependant, elle y retournera en 1955 pour l’exposition « synthèse des arts » au grand magasin de Takashiyama. Au cours de cette exposition, elle réalisera sa chaise longue en bambou, de manière artisanale. Ses voyages au Japon vont aussi inspirer sa collection d’étagères « Nuage ». Il s’agit très certainement de périodes qui lui ont beaucoup apporté professionnellement en insufflant une certaine simplicité et un raffinement à ses travaux. 

Originaire de Savoie et passionnée de la montagne, la designeuse est amenée en 1967, à participer à la création de la station des Arcs en Savoie en tant qu’architecte et urbaniste. Cette collaboration s’achèvera en 1989, elle aura donc duré plus de 20 ans.  

Charlotte Perriaud est une créatrice avec une carrière complète et impressionnante. On peut compter plus d’une dizaine de réalisations majeures à son actif. Elle s’éteint en octobre 1999, à l’âge de 96 ans.  

L’EFET STUDIO CRÉA, grande école de design basée à Paris, enseignent des notions fondamentales sur le design et l’architecture d’intérieur, à ses étudiants. S’y former, c’est aussi en apprendre davantage sur les grands noms de design et sur la nécessité de s’adapter à son environnement dans le processus créatif. Les enseignants y sont très pédagogues et mettent toute leur expertise à disposition des étudiants et professionnels de demain.  

Une nécropole est un vaste cimetière comprenant des monuments funéraires, elle peut dater de la préhistoire ou encore de l’Antiquité. La nécropole de Gizeh, dans Le Caire, capitale égyptienne, abrite la Pyramide de Khéops, de Khéphren et de Mykérinos sur son plateau. Ces trois pyramides, réels emblèmes de l’Egypte antique, attirent chaque année plus de 14 millions de visiteurs de par leur splendeur, histoire et richesse culturelle. Elles sont inscrites au Patrimoine mondial de l’UNESCO depuis 1979. Zoom sur l’histoire et l’architecture de ces majestueuses constructions qui existent depuis toujours !  

© World History Encyclopedia

Les Pyramides vieilles de 40 siècles

Ces vestiges de l’Ancien Empire égyptien ont commencé à être construits il y a 4500 ans. La plus ancienne est celle du pharaon Khéops, elle a vu le jour vers 2550 av J.C. Son fils, le pharaon Khéphren, a construit la sienne en 2520 av J.C. Cette dernière va de pair avec le Sphinx : un monument en calcaire avec un corps de lion et une tête de pharaon. Plus petite que les deux autres, la pyramide du pharaon Mykérinos, est la dernière à avoir été érigée, en 2490 av J.C exactement.  

L’Egypte a été le premier pays à construire des pyramides. Pour savoir pourquoi les tombeaux égyptiens avaient cette forme pyramidale, il faut comprendre l’évolution naturelle d’un tombeau traditionnel. Ce dernier appelé « mastaba » n’était autre qu’une construction rectangulaire faite de pierre. Les mastabas des pharaons étaient construits différemment des autres : un peu plus grand au fur et à mesure du temps, et de forme pyramidale. Les Pyramides de Gizeh font partie de la quatrième génération de tombeaux royaux, elles sont à faces lisses.  

Un mystère architectural 

Encore aujourd’hui, le mode de construction des Pyramides de Gizeh reste un mystère pour les scientifiques.  

Cependant, selon un article du Figaro parut en 2018, une équipe d’égyptologues (archéologues spécialisés dans les antiquités égyptiennes) franco-anglaise, semble avoir décelé une technique de construction des Pyramides. Les Égyptiens utilisaient une technologie qui jusque-là était restée inconnue : les blocs de calcaire étaient transportés sur une pente très raide, à 20 % d’inclinaison. Ces découvertes ont pris place dans le cadre de la mission d’Hatnoub (organisée par l’Institut français d’archéologie orientale et Université de Liverpool), dirigé par Yannis Gourdon et Roland Enmarch. 

Le graffiti, cet art de rue longtemps associé aux actes de vandalisme, a connu une grande évolution, aux fils des décennies. En effet, de nos jours, il est très courant de voir ces dessins et inscriptions fait à main levée sur toutes sortes de murs, bâtiments et même monuments. Intéressons-nous à l’évolution du graffiti, qui s’inscrit plus largement dans le mouvement du Street Art. 

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L’histoire du graffiti

Étymologiquement, le mot « graffiti » est un mot italien, qui lui-même dérive du nom latin « graphim » signifiant « éraflure ». 

Bien que cette forme d’expression existe depuis très longtemps, c’est Philadelphie, une ville du nord-est des Etats-Unis, qui est connue pour être le berceau du graffiti moderne.  

Pour comprendre ses origines, il faut remonter aux années 60et se pencher sur l’histoire d’amour de Cornbread. Considéré comme « Le parrain du Graffiti », cet artiste aurait peint son tag un peu partout dans la ville de Philadelphia, dans le but de témoigner son amour et d’attirer l’attention de sa bien-aimée. À l’époque, cet épisode a été grandement médiatisé en raison des lieux insolites qu’il choisissait : il avait même réussi à inscrire son nom sur une des ailes du Jet privé des Jackson 5 ! 

Au début des années 70, cet art débarque à New York avec le développement des transports ferroviaires. Les wagons de métro deviennent très vite les lieux les plus prisés par les amateurs de graffiti. Assez rapidement, cette pratique se repend dans la ville où les constructions en béton se faisaient de plus en plus nombreuses. Quelques artistes New-Yorkais se sont fait connaitre par ce mouvement artistique : Keith Haring, Steven Ogburn ou encore Blade One.  

Le début de la commercialisation des bombes de peinture a aussi joué dans la popularisation du graffiti à travers le pays. De plus, certains styles musicaux comme le jazz, le swing et bien évidemment le rap, ont eu une grande influence sur la pratique de ce Street Art. Et cette activité à l’origine américaine, va rapidement se répandre dans le reste du monde.  

Le graffiti et le Street Art en France 

En France, les premiers graffiti arrivent durant les années 80. Il s’agit d’un moyen, pour les jeunes défavorisés d’exprimer leur désarroi lié aux difficultés sociales qu’ils traversent. Blek le rat et Jérôme Mesnager sont connus pour être les pionniers du Street Art en France. 

La capitale française devient rapidement l’une des villes les plus célèbres en termes de Street Art. Les quartiers de Belleville et de Ménilmontant, dans le 20ème arrondissement, sont bien connus pour leurs rues ornées par des peintures en tous genres.  

Dans le 11èmearrondissement, rue Oberkampf, se trouve un mur dédié au Street Art. Celui-ci appartient à l’association Le M.U.R, qui invite tous les quinze jours un nouvel artiste à venir peindre sur le mur. Il s’agit là d’une initiative donnant sa chance à un maximum d’artistes et apportant de la diversité dans les œuvres affichées. L’EFET STUDIO CRÉA a notamment organisé un workshop en partenariat avec l’association. Les étudiants devaient donner vie à des œuvres de Street Art notamment au travers de procédés de réalité augmentée. 

L’EFET STUDIO CRÉA, grande école basée sur Paris, propose un cursus de Bac à Bac+5, sur le design graphique et numérique. Afin de faire découvrir l’art du graffiti, mais aussi sa pédagogie, l’établissement organise une journée d’immersion ouverte à tous. Elle aura lieu le 3 novembre prochain, n’hésitez pas à vous inscrire dès maintenant !  

Le temple Angkor Wat, situé au Cambodge, est le plus vaste temple et monument religieux du monde. D’une superficie de 163 hectares, ce temple est l’un des sites archéologiques les plus spectaculaires et fascinants qu’il puisse exister. Il a été construit au XIIe siècle sous les ordres du roi khmer Suryavarman II à Yasodharapura (Angkor actuel). Angkor est une ville qui comprend de nombreux temples, structures hydrauliques et routes de communication. Découvrons ce temple imprégné du style classique de l’architecture khmère.  

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Un passé fascinant  

En plus d’être vaste et impressionnant, Angkor Wat est un temple qui n’a cessé d’être utilisé depuis sa construction au XIIe siècle. À ce jour, les bâtisseurs de ce site légendaires restent méconnus. Nous savons cependant qu’il a été construit par le roi Suryavarman II, lui-même conseillé par son mentor spirituel Divakarapandita. La construction aurait débuté en 1113, dès lors que le roi est monté sur le trône. Les prises de positions royales n’étaient pas des plus calmes au sein de l’empire Khmer : c’est en tuant son grand-oncle que Suryavarman II aurait imposé son règne. 

Lorsque l’on évoque un nouveau règne dans la culture cambodgienne, chacun d’eux marque un commencement : chaque nouveau roi était amené à construire de nouveaux temples, élargissant toujours un peu plus les frontières de la ville. Il s’agissait, bien évidemment, d’un moyen d’affirmer leur puissance royale, mais aussi d’anticiper l’emplacement de leur dépouille, une fois décédé.  

Initialement, le temple était dédié au dieu hindou Vishnou mais au fur et à mesure, il s’est vu être dédié aux pratiques bouddhistes. Contrairement à de nombreux autres temples d’Angkor, Angkor Wat est dirigé vers l’ouest. Certains spécialistes estiment qu’il s’agissait en fait d’un moyen de rendre hommage à Vishnou. 

Les temples khmers, sont une représentation du Mont Méru, la demeure des dieux hindouistes. Les 5 temples principaux, Bayon, Ta Prohm, Ta Keo, Banteay Srei et Angkor Wat, symbolisent les cinq pics du Mont Meru. La chaîne de montagnes qui encercle ce mont est représenté par les enceintes autour du temple. Les douves entourant les temples seraient, quant à eux, comparables à l’océan cosmique séparant le monde des dieux de celui des hommes. 

Angkor Wat: un joyau de l’architecture khmer 

Angkor Wat ainsi que les autres temples de la ville, reflètent le style d’architecture khmer, originaire du Cambodge. Ce genre architectural s’inspire des temples hindous en Inde. Les matériaux utilisés étaient, dans un premier temps, des briques, puis à partir du Xe siècle, étaient utilisés principalement des grès de différentes couleurs ainsi que de la latérite (pierre faite à partir d’argile).La construction a nécessité une patience et des efforts titanesques : les pierres de grès étaient acheminées depuis une carrière située à une vingtaine de kilomètres, puis il fallait les ériger afin de concevoir ces temples à l’architecture très travaillée. Les pierres du temple sont au nombre de6 à 10 millions, chacune pesant en moyenne 1,5 tonne. Angkor Wat et ses douves recouvrent une superficie de 1,3 x 1,5 km. 

Le temple est une fusion entre les deux caractéristiques principales de l’architecture khmer : le temple-montagne et le temple à la galerie. À cela, s’ajoute une structure clé : le « Jagati », une plateforme surélevée, servant de base de construction sur laquelle les temples hindous et bouddhistes sont construits.  

La ville d’Angkor compte plus de pierre que toutes les pyramides égyptiennes réunies.  Elle est même plus vaste que le Paris moderne. On estime, que ce sont sûrement de grands architectes d’Asie du Sud-Est qui ont dû construire et gérer ces temples. 

Le temple d’Angkor Wat est l’un des nombreux joyaux architecturaux du monde. Ces monuments incroyables nous permettent d’en apprendre plus sur les styles architecturaux des plus anciens aux plus récents en passant par les plus extravagants. Se former en architecture est également un moyen d’acquérir une expertise certaine dans ce domaine.  

L’EFET STUDIO CRÉA forme des étudiants de Bac à Bac+5 sur le design graphique et numérique, mais aussi sur l’architecture d’intérieur. Les formations que propose l’école s’ancre dans l’ère du temps tout en passant par l’étude des grands noms du design et de l’architecture, afin de proposer aux étudiants une maîtrise et une compréhension parfaite de leur futur métier. 

Le Temple du Lotus est un monument qui se situe à Bahapur, dans le sud de Delhi, en Inde. Sa construction avait débuté en 1980 et n’a été finalisée qu’en 1986, année de son inauguration. Cet étonnant édifice en forme de lotus est une maison d’adoration baha’ie, le bahaïsme étant une religion monothéiste qui prône l’unité spirituelle de l’humanité.  

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Une construction époustouflante  

Le Temple du Lotus a été pensé par l’architecte irano-canadien Fariborz Shaba. Ce dernier s’était aventuré en Inde en quête d’inspiration et d’orientation spirituelle. Il a très vite réalisé que le lotus, aussi considéré comme la fleur nationale, avait un rôle vital dans la spiritualité du pays. Ainsi, il décide de construire un temple de la forme de cette fleur représentant la paix, la pureté, l’amour, l’immortalité ainsi que la foi religieuse en Inde.  

Le monument se divise en 3 étages, chacun constitué de 9 pétales de marbre blanc, donc 27 au total. Les deux premières rangées pointent vers le haut et la troisième se dirige vers l’extérieur. Les pétales servent d’auvents. Pour couronner le tout, la structure est entourée de 9 étangs, eux aussi, en forme de lotus, pour imiter le milieu dans lequel se trouve normalement la fleur. Quelques jardins l’entourent également. 

Il s’agit d’une construction assez imposante qui mesure 70 mètres de diamètre et 34 mètres de hauteur. Au total, la fleur de lotus géante s’étend sur une surface se rapprochant de 10 hectares. 

Bâtir ce temple représentait un réel défi : jusqu’à 800 personnes ont travaillé sur sa création. Une plaque décorative dorée se trouve dans le cœur de la fleur de lotus avec une plaque au nom du fondateur de la foi, Baha’u’llah. La lumière qui se déverse sur le blanc du marbre et sur la plaque d’or offre, à certains moments précis, un spectacle de toute beauté. Tous ces détails font de ce temple, une des structures architecturales les plus complexes au monde. 

Quelques généralités 

L’extravagance de l’extérieur de l’édifice crée un réel contraste avec la simplicité de l’intérieur. L’espace ne possède ni peintures, ni statues, ni bancs, ni autels. Le hall de 40 mètres de haut est aménagé avec quelques chaises afin que chacun puisse venir s’y recueillir et méditer, quelle que soit sa religion.  

Ce site est très apprécié, environ 4 millions de personnes le visite chaque année. En plus de cela, depuis son ouverture, le monument à reçu un très grand nombre prix et a été décrit dans de très nombreux articles.  

Le Temple du Lotus, constitue la richesse culturelle et spirituelle du pays comme bien d’autres œuvres. Ce magnifique espace épuré et plein de sérénité se révèle être un des sites les plus apprécié en Inde. L’architecte Fariborz Shaba a su mettre son savoir-faire au service de la culture indienne. 

Étudier à l’EFET STUDIO CRÉA permet de découvrir des splendeurs architecturales à travers le monde. C’est également la garantie d’acquérir toutes les compétences nécessaires aux professionnels du design et de l’architecture d’intérieur. Si toutes ces thématiques vous passionnent, restez informé et n’hésitez pas à candidater !  

Vous désirez embrasser une carrière artistique où votre créativité pourra s’épanouir pleinement ? Les métiers du design graphique et numérique sont faits pour vous ! Que vous ayez envie de rejoindre une agence de communication, de vous lancer en freelance ou de travailler dans l’univers du jeu vidéo, découvrez la liste des principaux métiers existants. 

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Le design et le numérique, des secteurs en croissance

Les experts en graphisme et en numérique ont l’opportunité de travailler dans une grande variété de domaines. Il est possible d’exercer dans la communication, mais également dans les secteurs des jeux vidéo, de l’audiovisuel, de la bande dessinée et du digital. Malgré les spécificités uniques à chaque domaine du graphisme, de nombreuses similitudes unissent ces professions, notamment l’utilisation de nouvelles technologies et d’outils digitaux. Dans tous les cas, une combinaison de créativité et de compétence technique est indispensable ! 

12 métiers du design graphique et numérique 

1. Graphiste

Le graphiste crée l’identité visuelle de divers produits et supports (logos, emballages, affiches, flyers et plaquettes commerciales). Il utilise des logiciels de DAO/PAO, sélectionne avec précision les éléments de la charte graphique comme les couleurs, les polices et le style. Son but ? Refléter parfaitement l’image de la marque auprès du public ! Le graphiste doit souvent communiquer avec ses clients pour aligner leurs attentes et effectuer des modifications. 

2. Infographiste  

Dans les autres métiers du design graphique et numérique, on retrouve celui de l’infographiste. Souvent confondu avec le graphiste, ce professionnel utilise systématiquement l’informatique pour réaliser ses projets. Historiquement, il mettait en forme le travail du graphiste pour l’impression. Les avancées technologiques ont brouillé cette distinction, mais il reste que l’infographiste a tendance à se concentrer davantage sur la production technique du résultat final. 

3. Webdesigner  

Le webdesigner est responsable de la conception visuelle d’un site Internet. Expert en tendances web et UX (User Experience), il crée des maquettes en équilibrant esthétisme et fonctionnalité. Il doit connaître les langages web comme HTML et CSS et peut collaborer avec d’autres professionnels comme les développeurs ou les graphistes. 

4. Designer produit 

Autres métiers du design graphique et numérique indispensables : ceux des designers produits ou designers industriels. Ce designer conçoit des objets quotidiens, en combinant esthétique et fonctionnalité. Il utilise des logiciels 3D/2D et doit être au courant des dernières tendances et technologies pour ne pas être dépassé sur le marché. 

5. Illustrateur

L’illustrateur transforme des idées ou des messages en images. Il peut travailler dans divers domaines comme la presse, l’édition, le web et la publicité, souvent en freelance. Il utilise des outils traditionnels comme numériques tout en suivant un cahier des charges et une cohérence en termes d’identité visuelle. 

6. Maquettiste 

Le maquettiste fait aussi partie des métiers du design graphique et numérique incontournables. Spécialiste de la mise en page, il crée des présentations attractives et cohérentes sur divers supports. Il collabore avec des illustrateurs, des graphistes et des rédacteurs et utilise des logiciels de PAO. 

7. Directeur artistique 

Le directeur artistique définit l’identité visuelle dans divers domaines (l’édition, la publicité, la musique et le cinéma). Il doit posséder une sensibilité artistique, des compétences relationnelles et savoir déléguer. C’est lui qui est garant de la cohérence et de la pertinence de toute création par rapport à l’image de marque et aux valeurs de l’entreprise. 

8. Motion Designer 

Le motion designer crée des œuvres animées avec des compétences en graphisme, d’animation 3D, d’effets spéciaux et de montage. Il doit maîtriser divers logiciels et avoir un sens artistique aigu, ainsi qu’un goût pour le travail en équipe. Il fait partie des métiers du design graphique et numérique clé. 

9. Game master 

Les développeurs de jeux vidéo, ou game masters, élaborent le cahier des charges du jeu avec les éléments fondamentaux (notamment le concept, les règles, la mécanique de jeu et la façon dont il sera joué). Ils sont en charge de créer un environnement de jeu cohérent, divertissant et interactif. Il faut concevoir l’univers, l’histoire, les personnages et les décors, mais aussi superviser et coordonner l’ensemble du projet. 

10. UI Designer 

Le UI Designer, ou Designer d’interface utilisateur, a pour mission de concevoir l’aspect visuel des produits ou services, qu’ils soient numériques ou non. Cette interface est le point de contact par lequel l’utilisateur interagit avec le produit ou le service. Il faut donc créer une interface séduisante, fonctionnelle et intuitive pour offrir une expérience à la fois agréable et pratique. 

11. UX Designer 

Un UX Designer, ou Designer d’expérience utilisateur, se consacre à l’optimisation de cette expérience en se focalisant sur la facilité d’utilisation et les réactions émotionnelles internautes. L’idée, c’est d’établir le trajet idéal pour l’utilisateur pour rendre le produit facilement compréhensible et maniable en veillant à l’ergonomie. L’objectif est ainsi d’éliminer tout ce qui pourrait entraver, frustrer ou repousser les utilisateurs.  

12. Fablab manager 

Enfin, le dernier de nos métiers du design graphique et numérique est celui d’imprimeur 3D. Le fablab manager, aussi appelé forgeur numérique, s’occupe de la gestion d’un laboratoire de fabrication numérique (tiers lieu, unité 3D). Un spécialiste en impression 3D s’occupe de la création de prototypes en utilisant la modélisation 3D, la manipulation des équipements (imprimantes 3D, découpeuses laser et fraiseuses), la gestion et l’animation d’espaces et la fourniture d’une assistance technique aux utilisateurs des machines du fablab. 

Comment se former au design graphique et numérique ?

EFET Studio Créa est l’école des designers : si vous désirez vous former aux métiers du design graphique et numérique, nous avons un programme dédié ! Notre filière vous permet d’acquérir toutes les compétences et connaissances nécessaires pour créer une image qui captera l’attention et séduira le public.  

En tant que designer graphique et numérique, vous saurez adapter votre création aux contraintes de vos clients ou de votre entreprise. Cycle Bachelor ou Mastère : vous avez le choix en fonction de votre parcours et vos préférences. Vous pouvez même suivre la formation en alternance pour combiner savoir théorique et expérience de terrain. 

Né en août 1943 et décédé en septembre 2020 à Paris, Christian Liaigre est un créateur et décorateur d’intérieur français de renommée internationale. Plus connu à l’étranger qu’en France, l’architecte est à l’origine d’un concept qui lui est propre : le « style Liaigre ». Portrait d’un architecte d’intérieur brillant.  

© Pixabay

Parcours et récompenses  

À l’âge de 17 ans, Christian Liaigre rejoint les Beaux-Arts, puis l’école National Supérieure des Arts décoratifs à Paris. Cependant, sa première expérience professionnelle consiste à élever les chevaux de concours de son grand-père. C’est plus tard, dans les années 80, 40 ans passés, qu’il laisse parler son côté créatif en commençant par dessiner pour une collection de meubles pour Nobilis. En 1984, il crée sa propre marque et ouvre une agence à Paris, rue de Grenelle. Dans les années 90, ses travaux dans l’hôtel Montalembert à Paris ainsi qu’à l’hôtel Mercer de Soho à New York, lui ont valu une popularité à travers le monde.  

À Los Angeles, Bangkok, Singapour et New York, le créateurtravaille sur la conception de?l’architecture d’intérieur et de mobiliers pour des résidences privées et pour des banques.  

Christian Liaigre était un expert en architecture d’intérieur hautement récompensé, avec de nombreuses distinctions très diverses : en 2001, le New York Interior Design Magazine lui décerne le design Hall of Fame tout comme Tavel & Leisure en 2005. En 2002, il reçoit l’Award de l’Art Director of Europe de l’ADCE. Il est récompensé par le prix du design duMonaco Yacht Show en 2012. En 2013, il est primé par l’International Super Yacht Awards et Showboats Design Awards. Et pour finir, en 2014, il remporte le Super Yacht Awards.  

Des créations dans le monde entier